J'avais pas vu ça.

Je suis pas en désaccord avec ça. Tu fais un taf, tu fais des heures, c'est normal de demander un salaire en accord avec ça, et un respect pour ce que tu fais (à moins d'être incompétent, mais c'est une autre histoire).

Et si ce qui est raconté est vrai, et pas juste opportun au moment où le film est en passe (et maintenant l'est) de gagner une Palme d'Or en pleine négo de la nouvelle convention collective, y a effectivement un grand mépris de la part de Kechiche pour ses techniciens.

Ce que je souhaite pointer du doigt, c'est que ce n'est certainement ni le 1er, ni le dernier, et au vu de ce qui est raconté, certainement pas le pire.

Pourtant, étonnamment, à ma connaissance, c'est le seul témoignage récent de techniciens sur de mauvaises conditions de tournage.

Je trouve ça opportun côté timing. C'est tout.

Mais du point de vue social, t'as raison, hein, je dis pas. Je suis même tout à fait d'accord. Mais à ce moment là, les articles du même genre devraient certainement fleurir. Or, c'est pas le cas. C'est ça que je trouve louche.

En 1946, avec la volonté de s'émanciper des studios et de leurs contrats, Hawks achète les droits du roman The Chilson Trail, de Borden Chase. Le roman, basé sur des faits historiques, raconte comment Jesse Chilsom alla du Kansas au Texas, traversant la Rivière rouge, afin d'ouvrir la voie à du transport de bétail en masse. Les chiffres indiquent qu'en 1866, 250 000 bêtes auraient transités comme cela.

Hawks choisit pour cela John Wayne, plus ou moins conseillé par John Ford, qui lui demandera de prendre soin de son acteur protégé. Mais Wayne s'inquiète de jouer un personnage plus âgé qu'il ne l'est et manque de refuser le rôle. Pourtant, son interprétation de Ted Dunson, idéaliste travailleur devant progressivement mégalo et antipathique, reste mémorable, et certainement un des points forts et de sa carrière, et du film.Face à lui, un (alors) inconnu : le jeune Montgomery Clift, charismatique en diable, et presqu'à même de voler certaines scènes au Duke. L'équipe est complétée par le toujours fort amusant Walter Brennan, contre point comique au récit, et narrateur dans la version raccourcie du film, version préférée de Hawks.

En effet, lorsque le film sort en salles, c'est dans un montage de 2h13, dont la narration se fait en suivant la lecture d'un livre, sorte de journal de bord de l'équipée. Sauf que cette narration est lourde, les pages du livre trop chargées par rapport au temps à l'écran, et tout cela contribue à allonger le rythme du film. Hawks avouera lui même ne jamais avoir compris d'où sortait ce montage, plus proche pour lui du workprint que de la version définitive, et il refera quelques coupes sur des plans qu'il estima ratés (comme cette cavalcade ridiculement cheap car tournée de manière flagrante sur des chevaux mécaniques), changeant notamment du tout au tout la narration, maintenant faite en voix off par le personnage interprêté par Brennan.

Au final, La rivière rouge est un western résolument adulte, loin du divertissement d'aventures léger qu'on peut parfois trouver dans le genre. Dunson est impitoyable au point de chercher à tuer celui qu'il aura quasiment élevé. Têtu, déterminé, il n'hésite pas non plus à abandonner sans regrets sa compagne dans les 1eres minutes du film, et ce n'est pas sa tragique destinée qui le fait particulièrement changer d'avis sur ses plans. Aucun répit, aucun repos, aucune pitié. Hawks n'hésite pas à lui mettre tout le monde à dos et à en faire un boogeyman pathétique dans la 2e partie du film.

Au milieu de tout cela surnage tout de même un des points faibles du film : le personnage de Tess Millay, joué par Joanne Dru. Le personnage n'est pas particulièrement mal écrit, mais reste assez plat, mais surtout, n'a pas été écrit pour Joanne Dru à la base, et elle a beaucoup de mal à en faire la femme forte et dure qu'elle devrait être. Et quand elle se met à déverser sa rage face à nos 2 héros en fin de film, tournant leur duel en farce, elle manque cruellement de force, et semble plus se forcer qu'autre chose.

Heureusement, la fin, prévue pas Hawks comme un joli happy end, lui qui en avait marre de tuer ses héros à la fin de ses films, n'en sera pas trop amochée, et ne saura amoindrir la force et la qualité globale du film, oeuvre épique et réaliste, mais toujours résolument humaine.

9/10

Il y a quelque chose qui clochera toujours dans Le cerveau, probablement parce qu'il pointe péniblement à 1h54.

C'est bien dommage, car il y a une certaine hystérie souvent hilarante, avec une troupe d'acteurs dont on ne sait réellement qui est le plus intéressant, le plus amusant.Il y a évidemment Bourvil, mais dans un style habituel, routinier, et donc peu surprenant, et pas forcément le plus amusant. Il y a Bébel, au sommet de sa forme, doté d'un personnage à l'écriture fine au niveau du timing du rire, plein de bons mots et de gouaille.

Mais il y a aussi une poignée de seconds couteaux ne déméritant pas. Eli Wallach n'est pas forcément le mieux employé, la faute à un personnage lourd et balourd, mono dimensionnel et surtout rapidement lassant. Si on peut rire un moment de son rôle de macho protecteur, quelque part autour du caïd gauche comme pas permis, cela finit par s'effriter assez vite. Qui plus est, le moteur féminin du film est d'un inintérêt certain, sorte de jolie plante sans grande utilité ou personnalité.

Mais la vraie surprise, c'est un David Niven qui semble s'amuser comme un petit fou, complètement à contre emploi, décalé mais sobre comme un Monty Python, sorte de John Cleese perdu à Paris transformant le film en folie furieuse, et volant le film à lui seul. Il faut le voir faire sa présentation animée, courir après ses sacs d'argent, ou balancer des feux d'artifices à la tronche de Wallach. Son enthousiasme de grand enfant est extrêmement communicatif et illumine indéniablement le film.

Oury semble avoir bien compris ça, et se garde bien de mettre Niven trop en retrait, et c'est probablement la force (mais aussi la faiblesse) du film : réussir bon gré mal gré à entre-croiser 3 lignes narratives. Le souci, c'est le manque de sens du rythme et de cohésion dans cette narration parallèle, certains passages étant bien moins intéressants, bien moins drôles que d'autres. De plus, Oury et Thompson n'étant pas Audiard, le film joue moins sur la truculence des dialogues que sur une comique de situation qui peut faire mouche, mais manque trop souvent sa cible. Aujourd'hui, on aura donc bien du mal à voir dans Le cerveau un équivalent des sommets de la comédie française "classique" comme la trilogie Lautner / Audiard / Ventura, ou le diptyque Bourvil / De Funès Le corniaud / La grande vadrouille.

Reste donc, cependant, une hystérie progressive qui fait du bien au film, et l'envoie progressivement vers quelque chose de fondamentalement fun et rigolard, qui plus est aidé par l'enthousiasme de Niven, et donne au film une 2nde partie bien plus enlevée et autrement moins oubliable.

7.5/10

Difficile de ne pas comparer un film comme Samsara à ce qui est probablement son maître étalon, et la référence du film non-narratif à la National Geographic : Koyaanisqatsi. D'autant plus que Ron Fricke, réalisateur de Samsara (et son prédécesseur Baraka), était directeur de la photographie sur Koyaanisqatsi.

On retrouve dans Samsara la même volonté d'incorporer sur un propos thématique des images, visuellement splendides, d'un tour du monde coloré et varié. Comme Baraka, Samsara a été filmé en 65 mm dans 25 pays différents : Egypte, Inde, Thaïlande, Dubai, France, etc etc, tous permettent à Fricke de composer une carte des possibilités visuelles et culturelles offertes par le monde d'aujourd'hui. Cela permet évidemment d'obtenir des contrastes saisissants : aux coutumes de peuples indigènes et à la splendeur des roches désertiques viendront s'opposer les productions agro-alimentaires géantes, la robotique, et, dans ce qui est probablement la partie la plus WTF du film, un parrain de la pègre africain être enterré dans un cercueil en forme d'AK-47. A ce titre, Samsara possède une atmosphère plus terre-à-terre, plus proche de nous que Baraka qui visait plus des thématiques spirituelles.

Cependant, il reste difficile d'atteindre les sommets atteints par Koyaanisqatsi. Où se situe la faute ? Probablement dans une mise en scène trop simple, trop peu osée, ce qui est d'autant plus dommage que le film n'est jamais aussi frappant que lorsque la Panavision Super 70 se met à zig-zager entre les usagers du métro japonais, ou à tourner autour de pierres sculptées pendant que les jours passent à vitesse grand V en arrière plans. Couplée à une musique pas vraiment inoubliable, et au final assez quelconque et trop impersonnelle, Samsara laisse un goût d'inachevé, comme si Fricke avait simplement raté sa cible.

Avec un discours aujourd'hui redondants (les pauvres c'est triste, la guerre c'est moche, la vie c'est court) et manquant de fulgurances visuelles, Samsara devient donc une carte postale un peu naïve, certes très jolie, mais du coup beaucoup moins ludique.

7.5/10

Quentin Tarantino s'amuse. C'est indéniable, et ça fait vingt ans que ça dure. Et après avoir fait des films de gangsters qui s'entre-tuent joyeusement, par avidité, vengeance ou hasard, le voilà qui se met à faire des films dans des contextes historiques.

Après un Inglourious Basterds monté avec les pieds (et plombé par la partie française du casting), qui lui-même faisait suite à un Death Proof laborieux (et pas vraiment aidé par la rallonge de 20 minutes afin de le séparer de son Planet Terror de collègue), il faut bien dire qu'on attendait avec impatience le film où QT se ferait à nouveau plaisir sans oublier le spectateur en route. Non pas que le cinéaste ait perdu la main visuellement parlant, mais il est clair que d'un point de vue script, on pouvait décemment attendre un retour au niveau de Kill Bill.

Django Unchained signe probablement ce retour.

Haut en couleurs, mais souvent fun, rarement long, et surtout ultra léché, Django Unchained revisite le western spaghetti en mode QT, c'est à dire à travers le prisme habituel du réalisateur : hémoglobine coulant gratuitement à flots, caméos et références à gogo, bande son piquant à droite à gauche (mais détonnant, précisément, par les nombreuses pistes modernes la composant en partie, du gros rap US qui tâche de Rick Ross à la soul gospel de John Legend), bref, les habitués ne seront pas dépaysés. Là dessus, QT reste QT et maîtrise son langage cinématographique dans ce qui est probablement son plus beau film formellement parlant : que ce soit les nombreux trajets à cheval, les ralentis ci et là, la photographie travaillée et ultra variée, ça sent la composition réfléchie, et il faut bien dire que ça fait plaisir à voir.

Tarantino retrouve, de plus, ce qui (on l'espère) est devenu sa nouvelle trouvaille-muse : Christoph Waltz. Aussi bon que dans Inglourious Basterds, et pourvu d'une excellente dynamique avec Foxx, Waltz vole à nouveau le show, malgré un cast autrement plus uniformément exemplaire que dans les 2 films précédents de Tarantino. Si Foxx est parfois un peu figé, son charisme brut et brutal finit par l'emporter; Di Caprio livre une très bonne performance; et Samuel L Jackson fait du mieux qu'il peut en cabotinant dans son rôle assez simpliste de Noir essayant de se faire aimer des Blancs en faisant aussi bien qu'eux au jeu du négrier (dommage qu'il finisse par devenir une caricature ambulante, au trait extrêmement épais).

Pour autant, cumulant à 2h45, le film est assez long, notamment dans une seconde partie trop bavarde pour pas grand chose, et une suite de rebondissements prévisibles et linéaires, qui ressemblent, rétrospectivement, plus à un prétexte au déferlement de gunfights finaux qu'à autre chose. Même s'il on a déjà pu voir bien plus ennuyeux que ce Django, il est fort probable que le film aurait gagné à être épuré d'au moins 20 bonnes minutes, notamment dans certaines digressions ou avancées narratives trop lentement mises en place.Cependant, notamment grâce à un humour régulier et faisant souvent mouche (même si on pourra débattre longtemps de la finesse de certains gags en fin de film, à double tranchant, et pas forcément très drôle tant l'évolution du personnage principal peut ne pas s'y prêter) et un propos progressiste efficace distillé tout le long du film (certes, pas toujours subtilement), Django Unchained signe donc le retour en forme de Tarantino qui, on ne peut que l'espérer, continuera sur cette lancée pour ses prochains films.

Mais par pitié : Quentin, reste derrière la caméra. Même si tu t'éclates (littéralement), ton (petit) rôle dans Django en est la preuve incarnée : tu joues comme un pied.

8/10

OK le mec a décidé de nous flooder.

Mais trop. Je comprends tellement pas l'enthousiasme. Le fameux scénar sur lequel tout le monde se paluche n'a strictement aucun sens.

Certes. Mais tu y va fort en le comparant à Prometheus.

Mais oui, c'est sympa, de la bonne série B avec du sang et des "fuck", un bon nanar quoi. Je suppose qu'il ne faut pas voir la "theatrical version".